par UnMondeAutrement957
Vertical est la première publication portée par Un Autre Monde, en coédition avec la galerie Mon Œil, l’art au quotidien. Ce livre d’artistes est le résultat d’une rencontre où photographie et écriture s’entrecroisent. La photographe Laëtitia Villemin a invité Lucie Braud à s’immerger dans son univers le temps d’une exposition. Un double ouvrage a pris forme. D’une part un livre rétrospectif de trente ans de photographie de Laetitia Villemin, d’autre part un recueil de récits écrits par Lucie Braud. Les deux ouvrages indépendants l’un de l’autre racontent une seule histoire sous deux regards différents.
Par Lucie Braud
Fin août 2023. Nous sommes autour d’une table pour un dîner entre amis. Laëtitia Villemin me parle de l’exposition qu’elle va présenter à la médiathèque Robert Badinter de notre village le mois prochain. Dix ans après l’ouverture de celle-ci. Dix ans après un burn-out. Elle me parle de sa correspondance et de sa rencontre avec Willy Ronis lorsqu’elle était jeune photographe, comment l’artiste l’a inspirée pour trouver sa propre voie, son propre regard. Comment elle en est arrivée, trente ans plus tard, à cette série qu’elle nomme Vertical.
« D’ailleurs, me dit-elle, je pense que ton univers collerait bien à ces images. J’en suis sûre, même. Tu ne voudrais pas écrire ? Écrire ce dont tu as envie, ce qui vient, ce qui émerge. » J’ai dit oui pour répondre à l’évidence, prête à m’embarquer dans un autre monde que le mien, curieuse de voir ce qui en naîtra, parce que Laetitia Villemin, c’est un corps frêle et nerveux qui diffuse une énergie contagieuse.
Octobre 2023. Je passe des après-midis à la médiathèque, en immersion dans les photos qui composent l’exposition. Je prends des notes. Parfois, je ne fais rien d’autre que regarder une photo en particulier. Je fouille dans mon intériorité ce qui accroche mon regard, et pourquoi. Des corps suspendus, allongés, des visages brouillés, des bras tendus vers le ciel. Où se situe ma verticalité au milieu de ces personnages et de ces paysages ? Parfois je réponds aux questions des visiteurs et nous regardons ensemble une photo. Nous analysons les courbes, les diagonales, les ombres. L’un parle de ce que cela évoque chez lui. L’autre s’en étonne et son regard se modifie. Puis je rentre et j’écris. Ou je n’écris pas. Je laisse reposer. J’attends d’être sous la douche, le meilleur moment pour penser. Ou je m’allonge et regarde le plafond sans le voir.
Novembre 2023. Les récits se mettent en place. Les photographies de Laëtitia font ressurgir des souvenirs d’enfance, des images que je déconstruis et reconstruis pour les transformer en fiction. Des fulgurances, des instants saisis à tous les âges où je tente de déceler ce qui nous fait avancer, chuter, nous relever, où j’interroge cette notion de verticalité comme une image de notre dignité, comme notre façon d’être au monde. Vingt-quatre histoires courtes s’enchaînent ainsi, des premiers aux derniers pas de la vie.
Trois questions à Laëtitia Villemin
Pourquoi une rétrospective nommée Vertical ?
Vertical est pour moi l’autre mot pour dire « debout » ou celui pour dire « je suis ». Pour qui, pourquoi, c’est automatique, instantané, c’est ancré en moi.
Après une chute, un doute passé, une peine surmontée, une joie écrite, une difficulté nommée, je ne me sens ni guérie, ni joyeuse ou rétablie, non je me sens à nouveau entière et pour le signifier verbalement je me nomme verticale. Je le ressens fortement physiquement et psychiquement. De façon morale, citoyenne, existentielle et poétique, c’est une éthique, un tic un toc, une façon d’être au monde, une manière de me sentir authentique. Comme une façon de se regarder en face ! D’égal à égal.
J’ai toujours eu ce besoin irrépressible de ressentir des pieds à la tête et de la tête aux pieds. Et naturellement mon regard en tant qu’artiste a eu besoin de mettre en abîme cet équilibre et de fixer cette idée sur le papier.
De fil en aiguille, je me suis donc mise à regarder les choses à l’envers, à positionner le bas en haut et le haut en bas, à ne plus dissocier l’endroit de l’envers, à souhaiter que l’un et l’autre ne fassent plus qu’un. Que l’un soit l’autre. Indissociables.
En provoquant ce vertige, j’attends du regardant qu’il se sente aussi le regardé. Qu’il se sache vu. Par l’inversion, je cherche à ce qu’il soit acteur. Je lui fais tourner la tête. Je l’invite au mouvement. Je le verticalise.
Auprès de Willy, « Ton vieux Willy » comme il s’amusait à signer parfois ses lettres, j’ai compris que donner le temps au temps ferait peut-être un jour « œuvre (poétique) photographique »
Dans Vertical, il y a donc ces instantanés renversés et puis il y a tous les autres captés sur une période de 30 ans. Ces derniers s’inscrivent donc dans la durée et reflètent à la fois mon obsession de la présence humaine dans le cadre et également ma proximité ou disons ma réciprocité avec elle, quel que soit son environnement.
Urbain, végétal, nu, littoral… peu importe pour moi… Cependant s’il est remarquable que de nombreux clichés soient glanés sur le littoral, c’est que j’habite la côte sud-finistérienne depuis 22 ans, et qu’elle est mon terrain de jeu et de chasse depuis mon enfance.
Comment illustrer mon mode de pensée arc-bouté sur ma propre verticalité et l’universalité des choses ? Comment le représenter au mieux, comment m’en approcher au plus près ? Surtout, en ne trichant pas, d’où l’instantanéité avérée des photographies qui composent cette série nommée Vertical où les clichés sont associés avec douceur, force et liberté.
Quelle importance a eu votre correspondance avec Willy Ronis dans votre travail de photographe ?
« Vous avez attrapé le virus, vous aussi. Attention, car s’il n’est pas mortel, il peut faire mal. Mais si vous avez la passion et le goût du risque… » Ce sont les premiers mots que Willy Ronis m’a adressés sur une carte postale le 6 février 1998. Il avait 88 ans, moi 24. Je découvrais qu’outre sa poétique photographique, son humour aussi allait m’être contagieux.
Plus tard, nous nous rencontrons, puisqu’il m’invite à passer chez lui, ce que je fais lors d’un passage à Paris. Pour moi, cette rencontre était fondamentale. Interroger un aîné afin de comprendre, afin d’apprendre et de vérifier une intuition.
Aussi, l’une des photos que je lui montre lors de cette rencontre lui fait soudain penser à l’une de ses propres photos… Il se met à la chercher, et la trouve enfin. Quelques larmes s’évadent de ses yeux bleus rares, et il m’explique que nos deux images lui font penser à son ami disparu Julio Cortázar, le grand écrivain argentin… Puis nous poursuivons notre échange comme si un ange avait passé pour de vrai. Il souhaitera m’offrir la photo avant que je m’en aille. Et je suis à vie bouleversée par cela. Plus tôt dans l’année, j’avais lu la nouvelle L’homme à l’affût de Julio Cortázar, et j’avais souligné cette phrase : « C’était comme si j’étais planté à un coin de rue en train de regarder passer ce que je pensais, mais sans penser ce que je voyais, tu saisis ? »
Cette phrase est la définition même de l’acte photographique tel que je souhaite le pratiquer. À savoir : sans réelle frontière entre moi et l’autre, ni entre le haut et le bas, en remettant en cause les notions admises d’un envers et d’un endroit éventuels. Comme si je souhaitais découvrir ma réalité dans l’imaginaire des autres, et inversement.
Auprès de Willy, « Ton vieux Willy » comme il s’amusait à signer parfois ses lettres, j’ai compris que donner le temps au temps ferait peut-être un jour « œuvre (poétique) photographique ». Que seuls patience, altruisme, travail, pourraient me garantir d’obtenir ce cadeau, tant éphémère est la vie. Ne pas tricher, m’engager tout entière dans mes prises de vue, et absolument m’approcher au plus près du sujet. Et s’y tenir.
Pourquoi avoir pensé un double ouvrage qui allie textes et images ?
Parce que c’est un formidable exercice. Pour le jeu que cela représente. Parce qu’un livre d’artiste à deux, c’est un objet rare et j’aime cela.
C’est également une suite logique dans mon parcours, puisque j’ai déjà vécu l’inverse. J’aime écrire et j’ai libéré de nombreuses nouvelles. L’auteur et illustrateur Guillaume Sorel en a déjà illustré deux. La première, N’être, une exposition sur toiles, châssis bois et un livret illustré édité par Le peu importe association. La seconde, Mâle de mer, un roman graphique dans la collection Écritures chez Casterman. Je me suis donc déjà retrouvée dans la peau de celle qui reçoit les images après les avoir rêvées et imaginées.
Avec Vertical, j’ai ressenti le besoin d’être dans l’inversement des rôles, et intuitivement Lucie m’a semblé être la bonne autrice fulgurante pour cela… Parce que nous découvrons en nous-mêmes ce que les autres nous cachent, et nous reconnaissons dans les autres ce que nous nous cachons à nous-mêmes. Tout simplement.
Après Vertical, nous allons d’ailleurs poursuivre notre collaboration.
Vertical, photographies de Laëtitia Villemin, textes de Lucie Braud,
une coédition Mon Œil, l’art au quotidien/Un Autre Monde, décembre 2023
38 € – Série limitée à 200 ex. — EAN : 9 782 959 154 607
Vous pouvez le commander chez votre libraire ou à : contact@1autremonde.eu
Bibliographie sélective
Laetitia Villemin
Mâle de mer, dessin Guillaume Sorel, collection Écritures, Casterman, 2009
N’être, dessin Guillaume Sorel, éditions Peu importe association, 2005
Le double du je (u) du photographe, exposition, Université Rennes 2, 1998
Lucie Braud
Néfos, Un Autre Monde, roman audio, 2023
Mimosa, les choses changent, c’est énervant, dessin Édith, collection Noctambule, Soleil, 2019
Le Dernier des Mohicans, dessin Cromwell, collection Noctambule, Soleil, 2010
par UnMondeAutrement957
Ferdinand est le premier récit écrit par Lucie Braud. Le texte fut publié en 2011 par les éditions In8, et trouve alors sa place dans la collection Alter & Ego, une collection que son directeur, Claude Chambard, présentait ainsi :
« Écrire vers la rencontre, avec l’autre, le lecteur, le monde qui ne nous attend pas, qui ne nous demande rien.
En prose. Dans une prose où l’autre emplira nos yeux, de son absence, de sa présence, du pire essoufflement de soi au souffle prodigieux de l’autre — et inversement — pour nous sauver de la fin du monde.
Dans la trace, dans la capacité à ne pas perdre la mémoire, à garder en mémoire, jusqu’à la parole “mythique” de l’autre qui s’incorpore dans l’écriture. Une carte postale, peut-être… une histoire d’amour, à coup sûr. D’une rive à l’autre. »
Qui est Ferdinand ?
Ferdinand, nous le connaissons tous. Les plus chanceux l’ont rencontré dans la vie, les autres dans leurs rêves. C’est lui qui nous cajole quand nous sommes tristes, qui nous encourage quand tout le monde nous lâche, qui nous apprend sans rien dire, qui nous accompagne quand personne ne comprend. C’est pour lui aussi que nous sommes là. Jusqu’au bout, parce que l’amour d’un grand-père ça n’a pas de prix. Heureusement.
Lucie Braud a écrit ses souvenirs à partir de 
photos. Des souvenirs comme matière pour réinventer l’histoire d’une vie que l’on se remémore en feuilletant un album de photos de famille. Ferdinand est un récit fictif, car les souvenirs transforment déjà la réalité. Du point de vue de l’enfant jusqu’à celui de la jeune femme, elle raconte l’histoire de cet homme qui habita sa vie.
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par UnMondeAutrement957
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Un couple entre dans un restaurant. La femme remarque, à l’une des tables, une petite fille assise en face de sa mère. Elles ont terminé leur repas. La petite fille a mis son manteau, elle est prête à partir. Elle regarde sa mère mais sa mère a les yeux rivés sur son téléphone portable à échanger des messages. Le couple entame son repas pendant que la petite fille attend que sa mère la voie.
Le regard de l’enfant croise celui de la femme. La petite est mal-à-l’aise. La femme ne sait pas encore pourquoi cette enfant l’interpelle autant. Puis elle comprend. Elle lui rappelle l’enfant qu’elle était, et sa mère qui elle-même souvent ne semblait pas la voir. La femme saisit la solitude de la petite fille, ce sentiment d’être invisible aux yeux de celle que l’on aime le plus au monde, cette absence de regard qui rend transparent. Comment exister alors ?
Marie-Francine Hébert écrit ce texte à la première personne. La femme est la narratrice, elle embarque le lecteur dans la scène qui se déroule sous ses yeux. Elle raconte ce qu’elle voit, puis ce qu’elle comprend. Bien que la femme soit dans un monologue intérieur et se fait le témoin d’une solitude qu’elle ne connaît que trop bien, un dialogue muet se joue entre elle et la fillette. La femme adresse alors un message à l’enfant et à sa mère. « Je veux te dire que je t’ai vue, et ta maman aussi. »
Le texte de Marie-Francine Hébert est merveilleusement porté par les illustrations de Lauranne Quentric. Illustrer un texte comme celui-ci n’est pas chose aisée lorsque le seul décor est une salle de restaurant, et le personnage principal, une petite fille en attente de quelque chose qui ne vient pas. L’illustratrice y intègre la poésie de son univers. Les collages en papier de soie et la sobriété des images accompagnent avec subtilité et douceur cet instant si poignant que la femme et l’enfant partagent. Vues d’ensemble, gros plans et détails, les cadrages en alternance choisis par l’illustratrice permettent au lecteur de partager tour à tour le point de vue de la narratrice et de ressentir les éprouvés de l’enfant.
Le regard est le cœur du sujet. Celui de l’enfant, celui de sa mère, celui de cette femme. Le regard qui permet de se sentir aimé. Je te vois est un huis-clos bouleversant.
Par L.B.
Je te vois, texte de Marie-Francine Hébert, illustrations de Lauranne Quentric, Les 400 coups, 2023
@laurannequentric_illustration
Les 400 coups
À lire aussi de Lauranne Quentric :
Elle fait le printemps, d’après une idée originale de Praline gay-Para, Didier Jeunesse, 2023
Et pluie voilà, texte de Christophe Pernaudet, Éditions du Rouergue, 2019
par UnMondeAutrement957
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Clémentine a quarante ans et se découvre une boule au nichon. Un long périple de rendez-vous, d’examens et de soins s’annonce. Clémentine va faire connaissance avec le monde médical et apprendre à vivre avec la maladie. Raconté comme cela, le sujet n’apparaît pas des plus joyeux. Pourtant, La Boulonichon aborde la vie d’une malade de façon décomplexée, avec distance, humour et cocasserie.
Evemarie, dessinatrice et scénariste, tourne en dérision chaque étape que Clémentine traverse. Un chapelet de médecins, secrétaires, patients, pharmaciens s’égrène, constituant une galerie de portraits et de situations plus farfelues les unes que les autres. Clémentine est une femme au caractère bien trempé. Elle exprime ses émotions sans retenue et avec un franc-parler sans fioritures qui assaisonne ses péripéties médicales. Les évènements qui perturbent sa routine quotidienne et brusquent son intimité, la déroutent et la font disjoncter. Et ceux qui traînent dans les parages au mauvais moment en prennent pour leur grade.
« Si La Boulonichon aborde le parcours du combattant du malade dans un système parfois absurde, il n’en demeure pas moins que c’est un livre qui rend hommage au corps médical ».
Aborder la maladie sous l’angle de l’humour est ce qu’il y a de plus difficile à faire. À ce jeu Evemarie excelle. Son regard décalé et malicieux transforme la tragédie en comédie. Son humour est sa griffe et ce qui donne une saveur si délicieuse à son travail. Si La Boulonichon aborde le parcours du combattant du malade dans un système parfois absurde, il n’en demeure pas moins que c’est un livre qui rend hommage au corps médical. Le faire avec un humour sans concession est certainement ce qui lui donne toute sa valeur. La Boulonichon est à lire pour pleurer de rire.
Pour chaque bande-dessinée vendue, 1€ est reversé à l’association de lutte contre le cancer du sein, LiSa.
Par L.B.
La Boulonichon, Expé éditions, 2023
Evemarie :
Facebook : @evemarie
Instagram : evemarie
À lire également de Evemarie :
Hey June, scénario Fabcaro, éditions Delcourt, 2020
Magical Mystery June, dessin et scénario Evemarie, Expé éditions, 2021
Les Dents longues, scenario Courty, Expé éditions, 2023
par UnMondeAutrement957
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Thierry Murat est un artiste singulier tant il pousse la réflexion pour chacun de ses ouvrages. Rien n’est laissé au hasard. Tout est pensé, creusé. Tout prend sens. Avec initial_A., il signe un ouvrage atypique, philosophique et narratif, dans la droite ligne de Cerveaux augmentés (humanité diminuée ?) qu’il a réalisé avec le philosophe Miguel Benasayag.
Thierry Murat a conçu initial_A à partir d’images promptées et générées sur un réseau neuronal artificiel. Cette nouvelle expérience ressemble à un voyage initiatique au cœur d’une IA à la fois fascinante et effrayante, qu’il met au service de son art pour raconter l’histoire d’un monde dévasté par la numérisation à outrance.
Initial_A est une fable parsemée de clins d’œil à Lewis Caroll. Alice, le personnage principal, débarque par un trou noir sur une planète parallèle qui ressemble à la Terre au point d’en être son miroir. Sur cette planète, l’Homme a disparu, il n’y a que vestiges de son passage et végétation. Alice dialogue tout au long du livre avec la « Voix off », un personnage que le lecteur ne voit jamais. Le monde a été détruit par la numérisation et Alice a pour mission de réécrire l’histoire de l’Humanité. Mais voilà, elle ne se souvient pas de grand-chose du monde d’avant. Alors la « Voix off » va faire remonter peu à peu ses souvenirs. Le récit alterne entre le présent et le passé. Alice sombre dans le rêve, remonte le temps et explore ainsi différentes époques : l’Âge d’Or, l’Âge de Plomb et le Dernier Âge, celui de la technologie dévastatrice.
Si la jeune fille est une métaphore de l’Humanité, le petit robot qui intervient de façon incongrue dans l’histoire pour lui parler est une métaphore de la technologie. Il sait tout mais ne veut pas trop en dire. Il est un peu stupide, toujours en avance (un clin d’œil au lapin blanc d’Alice au pays des merveilles toujours en retard) mais il est surtout inutile.
Voici l’histoire.
« Initial_A est un livre hors du commun, unique en son genre, certes par l’acte créatif de l’auteur lors duquel il a poussé le langage poétique pour concevoir les images, mais au-delà, par son scénario et par la façon dont il explore la frontière. »
Mais initial_A est un livre complexe. La lecture est tout d’abord contemplative tant les images hypnotisent. Les cases sont des paysages vus bien souvent à travers le regard d’Alice. Le lecteur est également spectateur comme il le serait d’une toile. Alice est mise en scène soit de dos, soit de face, gros plan fait sur son visage. Son regard devient le centre de l’attention. Il interroge, il nous fait douter de son humanité ou au contraire, nous en convainc par les émotions qu’il porte. Il ressemble à ce regard que nous avons lorsque nous sommes sur les écrans : un regard fixe, lointain, parfois perdu, parfois intense. Un regard tout entier donné à l’écran, tout entier absent du monde réel.
Les cadrages sur Alice changent lorsqu’elle « traverse » les différents Âges. Alice s’anime alors, s’incarne dans ses rêves à travers lesquelles elle perçoit les vestiges de l’Humanité. Ses rêves sont comme ces souvenirs auxquels on se raccroche pour se rappeler, pour ne pas oublier qui nous sommes. Et les souvenirs ne sont pas des mensonges : même s’ils sont fabriqués, ils sont une trace modelée de notre histoire, une preuve de notre existence et de notre rapport au monde.
Au fil des pages, la lecture se complexifie, le questionnement commence, nous sommes perdus puisque le réel et le virtuel ne se distinguent plus l’un de l’autre. Où se situe la frontière entre les deux ? Alice ne sait pas bien où elle est, ni quel est le but de sa présence sur cette planète miroir. Elle réclame des réponses qu’elle ne peut obtenir. Alice est-elle réellement l’âme de l’Humanité ? Alice est-elle tout simplement humaine ? Que peut-elle croire et ne pas croire ? Que pouvons-nous croire ? L’unique réponse qu’oppose la « Voix off », la voix de son intériorité, est celle-ci : « Si la question est la finalité, alors la réponse est l’absence de finalité. Se débarrasser de la quête vers le but. Contempler le chemin et arpenter la voie. La voie qui se tait. » Car c’est par les questions que tout commence, c’est par les questions que la pensée se met en action et que le récit peut enfin se construire.
Initial_A est un livre hors du commun, unique en son genre, certes par l’acte créatif de l’auteur lors duquel il a poussé le langage poétique pour concevoir les images, mais au-delà, par son scénario et par la façon dont il explore la frontière. Le lecteur est alors lui aussi happé par le trou noir, ramené à des questions fondamentales, au sens de ses actes, et à ses responsabilités.
Dans l’avant-propos, Thierry Murat s’interroge sur l’hybridation, sur le bien-fondé de ce livre, sur ce qui est humain et ce qui ne l’est pas. Il cite en réponse Miguel Benasayag : « ce qui est humain, c’est l’énergie, le désir et la liberté qui t’ont poussé à raconter cette histoire ainsi, jusqu’au bout… » Tout livre vit grâce à ses lecteurs : leur regard « (…) va donner sens à tout cela. Voilà ce qui est humain. Tout le reste n’est que poussière d’algorithmes. » inital_A est un livre qui décale le regard, qui questionne. N’est-ce pas là ce que nous attendons de l’art ?
Par L.B.
initial_A., Log Out, 2023
Site : http://www.thierrymurat.com
Blog : http://thierrymurat.canalblog.com
par UnMondeAutrement957
Entré de façon magistrale en littérature avec Sortie d’usine en 1982, François Bon se consacre depuis à la littérature sous toutes ses formes. Romancier, dramaturge, scripteur, essayiste, il est de tous les territoires où la littérature s’invente, notamment sur Internet ou dans les ateliers d’écriture. Et depuis 2010, il est entré en Lovecraft comme on pourrait dire. Lectures, traductions, essais, analyses, vidéos… : François Bon redonne par tous les moyens à sa disposition une vision neuve de l’un des plus grands auteurs américains, de littérature fantastique et de littérature tout court.
Vous évoquez souvent comment vous avez redécouvert Lovecraft, à l’occasion d’un passage à Providence et en constatant comment l’ambiance, l’identité de cette ville, au final assez anodines et éloignées de l’image que l’on peut s’en faire à la lecture des nouvelles de HPL, vous ont amené à reconsidéré son travail. Mais comment s’est passée votre première rencontre avec Lovecraft et qu’en gardiez-vous des années plus tard pour qu’une force (indicible ?) vous amène à sortir de la voie rapide pour un arrêt à Providence ?
François Bon : Ce n’est pas de la triche : c’est la recherche de Lovecraft à Providence qui m’a brutalement fait comprendre que le fantastique de Lovecraft était lié à l’idée de la ville, et que sa vie avait été celle d’un écrivain. Le souvenir justement était vague, déceptif, parce qu’il manquait de langue. Autant la prose de Poe, celle de Melville dispensent des lumières noires, multiples, acérées, le souvenir que j’avais des histoires de Lovecraft était gris, mou, en dehors du canevas des histoires. Des livres de rencontre, lus chez des amis, ou échangés au lycée dans l’adolescence, qui ne m’avaient pas donné envie d’y revenir. Pour qui écrit c’est toujours un moment privilégié d’aller à la rencontre de comment un auteur vit et travaille, c’est même un peu une enquête systématique. Sauf que là, une fois découverte comme était banale la « maison maudite » de Benefit Street, j’ai voulu le relire, en anglais cette fois, et ça a été le choc.
Il était de notoriété publique que les traductions existantes de Lovecraft en français étaient très contestables. est-ce cet état de fait qui vous a donné envie de retraduire ou une volonté de pénétrer plus loin dans l’analyse de la phrase lovecraftienne ?
François Bon : Non, absolument pas. C’est juste plaisir personnel, le défi que ça représente. Par exemple Lovecraft utilise volontairement la syntaxe anglaise du XVIIIe siècle, ce qui donne cet effet si particulier de distanciation, et chaque personnage utilise un registre de langue lié à son état civil. L’hydrographe de Couleur tombée du ciel, le prof de droit de Dans l’abîme du temps. Ces registres sont très distincts et il faut les respecter – mais prendre à Saint-Simon les tournures de notre propre XVIIIe ou bien, un siècle après Lovecraft, recréer cet effet à partir par exemple de Baudelaire traduisant Poe ? Je n’ai jamais remis le nez dans les traductions françaises. Une des caractéristiques de notre langue, née plus tôt que ses voisines, c’est d’avoir constamment à retraduire, ce qui n’est pas le cas de l’anglais ou de l’allemand. En traduisant, on a une expérience du texte radicalement différente de la lecture simple. Par contre, j’ai un très grand respect pour Jacques Papy, décédé en 1968, le premier traducteur de Lovecraft, aussi traducteur de Bierce, Stevenson et d’autres. Mais Papy n’avait à sa disposition que les textes simplifiés de Derleth [1] dans ses premières éditions de l’Après-Guerre, que les premières éditions françaises élaguent encore (l’édition Laffont de Francis Lacassin, début des années 70, les fera compléter par d’autres traducteurs, au prix de belles incohérences). D’autre part, pour traduire il faut connaître l’auteur et son contexte. Aucune commune mesure avec ce qu’on sait aujourd’hui de Lovecraft d’une part, mais aussi de ses amis, de Weird Tales [2], de l’époque, notamment le contexte intellectuel d’après la Grande Dépression, et le rapport des US aux populismes européens, dont Hitler jusqu’à la bascule de 1934. Très concrètement, je ne traduis pas les mêmes textes que Papy. L’exemple le plus frappant c’est Dans l’abîme du temps, manuscrit approximativement dactylographié par Barlow [3], sans révision par HPL, que Derleth réadapte à son tour. Peu avant son suicide à Mexico, en 1952, Barlow avait laissé ce manuscrit à une de ses étudiantes. Après le décès de celle-ci, en 2004, sa sœur découvre à Hawaï cette liasse sans savoir ce que c’est, et a l’intelligence de remonter la piste… La version complète de Dans l’abîme du temps n’existe que depuis 2011. L’édition critique actuelle de référence pour les œuvres principales, The annotated Lovecraft, date de 2015…
Il y a quelque chose de très étonnant dans la sélection des premières nouvelles sur lesquelles vous vous êtes penché. On y retrouve des grands classiques, mais aussi des textes d’ordinaire peu estimés, auxquels vous redonnez un éclat surprenant. Comment s’est effectué ce choix ?
François Bon : Pour moi, le premier rapport à une phrase de Lovecraft, quand on avance une traduction, c’est quasi des mots croisés. Toutes les interrogations surgissent à la fois. J’ai commencé par des textes qui me semblaient poser la question de la ville, 
de l’urbain, et progressivement celle du livre, la permanence d’une bibliothèque maudite. Il m’a semblé important aussi, mais c’est parce que je les découvrais à mesure dans leurs enjeux, de reconstituer un peu du « laboratoire » de Lovecraft, textes à motifs récurrents, souvent amorcés dès 1920, et qui seront l’amorce des grands récits d’après 1930. La question de l’écriture y est toujours présente en abîme, de façon réflexive. La relation à Poe, Baudelaire, Dunsany [4] s’y exprime de façon souvent plus centrale. Après, il y a un autre critère : je sais qu’au terme de ce parcours Lovecraft, je traduirai la fameuse Quête en rêve de Kadath l’inconnue. Pour l’instant, je n’y suis pas encore. Chaque texte est une étape pour conquérir le suivant. Bizarrement, les textes les plus emblématiques, comme L’appel de Cthulhu ou Montagnes de la folie, ne sont pas les plus indémêlables. Par contre, les structures de temps, dans un référent en permanence variable, quand on essaye d’aborder Dans l’abîme du temps (tout à la fin, le narrateur, descendu dans les ruines d’une ville pré-humaine, découvre un texte rédigé de sa propre main…), quand la langue s’est toujours construite sur la linéarité habituelle du temps, il y a de quoi devenir fou. J’ajoute pour finir que certains textes considérés trop souvent comme maladroits, ou secondaires, peuvent être d’une importance capitale pour la compréhension de l’écriture lovecraftienne, je pense à cette nuit blanche dans New York au terme de laquelle, dans un carnet acheté 10 cts à 7 h du matin, assis dans un parc public, il écrit d’une traite sa nouvelle Lui (He)…
« De 1920 jusqu’à sa mort, en 1937, l’écriture est un flux quotidien – lettres, cartes postales, mais aussi système de lettres tournantes collectives, circulation de manuscrits –, probablement 35 000 lettres et cartes en estimation basse.»
Vous effectuez depuis le début de votre travail sur Lovecraft, une véritable exploration de ses productions considérées jusque-là annexes, notamment sa formidable correspondance, dont les publications réalisées ces dernières années par S.T. Joshi [5] nous offrent enfin une vision précise. Comment ces lectures éclairent-elles et enrichissent-elles votre travail de traduction ?
François Bon : Je crois qu’un des points actuels les plus décisifs, pour Lovecraft (comme d’ailleurs pour Kafka, Proust ou Flaubert) c’est de considérer l’œuvre comme écosystème. Interroger l’écriture même. L’autre point commun avec Kafka, c’est qu’une grande part de l’œuvre, les poèmes, une bonne part des grands récits, tout ce qu’il a ébauché aussi côté de la « non fiction » (ses étranges guides de voyage « travel logs » qui auraient peut-être été un de ses projets majeurs sans sa mort prématurée) est inédite à sa mort. Voici un auteur pour lequel on n’a presque aucun document biographique de ses 20 ans à ses 29 ans, jusqu’au décès de sa mère mais de 1920 jusqu’à sa mort, en 1937, l’écriture est un flux quotidien – lettres, cartes postales, mais aussi système de lettres tournantes collectives, circulation de manuscrits –, probablement 35 000 lettres et cartes en estimation basse – environ 6000 sont accessibles aux chercheurs à la John Hay Library [6] et environ 2000 sont publiées. Certains ensembles irrémédiablement détruits (les lettres à Sonia), d’autres qu’on continue d’exhumer.
Depuis une dizaine d’années, S.T. Joshi a repris le chantier de la publication de la correspondance en l’établissant correspondant par correspondant – Kleiner, Galpin, Morton, Derleth et d’autres –, et déjà disponibles les deux ensembles majeurs que sont la correspondance avec Barlow, et surtout Robert Howard [7], qui se suicide en 1934. Pour l’année 1925, celle où il vit seul à Brooklyn, on a d’autre part la chance d’un carnet où il note au quotidien tout ce qu’il fait, mange, dépense, ses itinéraires, ses conversations, ses lectures, y compris le coiffeur ou parfois les douches, et bien sûr l’écriture. Et chaque semaine il le développe dans une lettre à ses tantes de Providence. C’est probablement un cas unique d’auteur dont, à 90 ans de distance, on peut reconstituer tout l’emploi du temps en tant qu’écrivain, et le corroborer par des témoignages comme ceux de Belknap Long ou George Kirk, son « coloc ». Paradoxalement, et pareil pour Kafka, quand Lovecraft s’embarque dans un récit, on a moins de traces. Je crois que c’est moins un chantier pour aider à la traduction, qu’un chantier en soi sur la naissance même de l’écriture et de l’imaginaire, d’autant plus fascinant pour nous qu’il s’agit d’un écrivain sans livre, dans un flux d’écriture quotidien, et publiant quasi essentiellement dans des magazines mensuels bon marché. Tout cela nous concerne au plus près. Je dirais presque que l’importance de retraduire, c’est pour recontextualiser la genèse de chaque texte dans cet ensemble massif et continu. Reste à savoir ce qu’on peut faire côté français : les lettres sont un monument littéraire en soi, qui ressemble plutôt au Finnegans Wake de Joyce. Avec quelques amis nous réfléchissions à une traduction collective en ligne de la correspondance à Howard. Mais hier j’étais dans une lettre fabuleuse (du 29 décembre 1930) à Morton, où il parle justement de l’imagination, dans son rapport au quotidien et à l’importance de la solitude, comment il suffit d’une petite cuiller pour entraîner la pensée. Mais la lettre fait 20 pages, avec des sections oralisées ou purement sonores, il faudrait tout un mois juste pour traduire cette lettre… Noter enfin, comme pour tout écrivain, l’importance des documents qui sont ceux du travail même : son « Commonplace Book » avec les 220 idées de récit accumulées sur 15 ans, les notices autobiographiques, les textes sur la méthodologie de la rédaction à l’usage d’auteurs plus jeunes ou de ses clients pour le rewriting…
Est-ce en quelque sorte pour répondre à cet aspect protéiforme de l’œuvre de Lovecraft que vous avez ressenti le besoin, dans votre travail d’auteur, de créer votre propre écosystème ? Je pense notamment à vos vidéos sur Internet, ces instants Lovecraft [8] qui sont comme des pastilles sur un point précis de sa vie, ou encore les lectures à voix haute de vos traductions, vos vidéos à Providence, etc. Cette utilisation d’Internet était déjà présente dans votre travail récent, mais on a l’impression qu’elle s’est fortement amplifiée par le biais de votre intérêt pour Lovecraft…
François Bon : Oui, une démarche amorcée depuis longtemps, avec le 1er site web en 1997, l’ouverture au collectif en fondant remue.net 3 ans plus tard, revenant à un site perso – l’actuel tierslivre.net – en 2005 au temps des blogs. Depuis plusieurs années une accélération dans la mesure où je suis mon propre éditeur, et que la vidéo s’installe comme noyau actif du site, en particulier pour Lovecraft. C’est bien parce que nous avons à réfléchir sur l’intérieur de cette mutation numérique qui à la fois nous avale et ne se révèle qu’à tâtons, que ce chantier Lovecraft a pris une telle actualité : la période où il écrit c’est une mutation technique et scientifique aussi considérable que la nôtre, la radio, la transmission des images à distance, l’exploration des fonds marins et des pôles…
Depuis les débuts de votre travail d’écrivain, vous alternez entre des œuvres originales à des projets où vous travaillez avec les mots des autres – Rabelais, Koltès, Proust, etc. Concernant Lovecraft, ce travail a d’abord pris la forme de deux exceptionnelles fictions radiophoniques [9][10]. Pourriez-vous nous dire comment s’est effectuée cette réécriture ?
François Bon : C’est venu il y a très longtemps, par Rabelais justement : j’avais enchaîné mes premiers livres chez Minuit, il fallait se remettre intérieurement au travail. Les ateliers d’écriture y ont grandement contribué. Mais, symétriquement, découvrir qu’à travailler la littérature en tant que telle, on pouvait s’immerger dans une sorte de temporalité de fond, se tenir prêt… Ensuite, quand un livre perso déboule, on s’y donne à fond, mais ça va toujours assez vite. Ça doit aller vite. Le travail sur la temporalité des auteurs, Balzac, Flaubert, Proust, ou le As I lay dying de Faulkner écrit en 18 jours, c’est aussi quelque chose qui m’a frappé chez Lovecraft, ces longs temps de préparation, lecture, documentation, puis le récit écrit en quelques nuits, à peine quelques semaines pour les « grands » textes.
L’autre volet de votre question, aussi envie d’y répondre de façon un peu détournée : quand on « pense » Lovecraft, chacun de nous, vient une sorte de galaxie ou nébuleuse, avec énormément de courts métrages, des fictions radio (je pense au monde anglo-saxon), des œuvres graphiques (les dessins de Druillet…). On ne peut pas « adapter » Lovecraft, il faut le recréer. La radio a beaucoup compté pour moi, notamment dans les années 80. Quand Caroline Ouarzana, au département fictions de France Culture, m’a proposé 2 adaptations d’une heure, j’ai bien sûr immédiatement réagi. Chuchotements dans la nuit (The whisperer of darkness) s’y prêtait vraiment bien. J’ai tenté plusieurs pistes, dédoublement du narrateur principal, jeu entre formes dialoguées et lettres, téléphones, télégrammes puis à mesure qu’on avance, qu’on échange avec le réalisateur, ça décante et se simplifie. La trahison, c’est qu’il reste 30 pages sur les 90 du texte : tout doit passer par suggestion… Mais il y a la formidable balance de l’imaginaire radiophonique, lorsqu’on écoute dans la nuit. J’aimerais bien aussi, c’est une des recherches en ce moment, revenir visiter les « lieux » biographiques de Lovecraft en réalité virtuelle…
Propos recueillis par R.G.
ARTICLE PRÉCÉDEMMENT PARU DANS LA REVUE NUMÉRIQUE D’ALCA NOUVELLE AQUITAINE
[1] August William Derleth (1909-1971), écrivain et anthologiste américain. surtout connu pour avoir été le premier à publier les écrits de H. P. Lovecraft et pour ses propres contributions au Mythe de Cthulhu.
[2] Weird Tales est un magazine américain de type pulp lancé en mars 1923, célèbre pour avoir publié entre autres dans ses pages les premières nouvelles de Lovecraft.
[3] Robert Hayward Barlow (1918-1951), écrivain et anthropologue américain. Exécuteur testamentaire de H.P. Lovecraft
[4] Edward John Moreton Drax Plunkett, 18e baron de Dunsany (1878-1957). Écrivain irlandais, considéré comme l’un des fondateurs de la fantasy moderne.
[5] Sunand Tryambak Joshi, un critique littéraire et essayiste américain spécialiste des littératures de l’imaginaire, notamment de l’œuvre de H. P. Lovecraft.
[6] Bibliothèque du campus de la Brown University, à Providence, où vécut Lovecraft.
[7] Robert E. Howard (1906-1936), nouvelliste et romancier américain, inventeur de l’heroic Fantasy avec les aventures de son héros Conan le Barbare.
[8] L’Instant Lovecraft, n°37
[9] La Couleur tombée du ciel, France Culture
[10] La Chose sur le seuil France, Culture
par UnMondeAutrement957
Très cher Howard,
J’ai longtemps repoussé l’écriture de cette lettre et depuis que le temps a passé il me reste une seule question. Je vous écris, je vous écris que la plupart de mes interrogations se sont envolées, ou plutôt avec l’âge, le regard, l’expérience, se sont concentrées autour d’un unique mystère et je parviens à peine à y croire. Qui le 
pourrait ? S’il n’y a au final rien d’étrange à vous écrire, à envoyer une lettre à un auteur mort, un homme dont les chairs sont dissoutes et les os blanchis depuis longtemps, il l’est beaucoup plus que la découverte de votre œuvre, faite il y a maintenant plus de trente ans, continue à me poursuivre. On pourrait aisément croire que ce phénomène soit lié à la matière de votre travail, votre talent pour l’horreur, la peur, l’innommable, votre construction d’un monde tentaculaire, un univers horrifique peuplé de créatures tout droit sorties de nos 
fantasmes nocturnes, une cosmogonie de dieux anciens et aveugles que vos admirateurs et parangons appelleront plus tard le mythe de Cthulhu, se l’appropriant pour le décliner en nouvelles, romans, films, jeux de rôles, jouets, peluches et autres succédanés jusqu’à la nausée. Je m’excuse de vous le dire, mais vos bacchanales tentaculaires, vos horreurs indicibles, si elles ont longtemps animé mon imaginaire — n’ai-je pas d’ailleurs consacré plusieurs années et plusieurs livres à vous pasticher ? — n’éveillent plus chez moi qu’un haussement de sourcils un peu gêné. Toutes ces questions-là se sont enfuies avec le temps, et il en va de même de celles concernant votre cosmicisme, votre hantise de l’effondrement de la civilisation — qui vous a parfois transformé en un salaud xénophobe d’un genre bien ordinaire. Même ça, même votre obsession pour la particularité de l’homme à être le seul animal capable d’esthétiser son propre destin a cessé de me fasciner, comme elle l’avait pourtant fait si violemment cet été de mes 15 ans, où j’ai lu l’intégralité de vos nouvelles. Et je ne parle même pas de votre style. Votre style, je l’ai découvert il y a peu de temps, maintenant que vous avez droit en français à de vraies traductions et que mon niveau d’anglais me permet de vous lire dans le texte. Si vous saviez, mon cher Howard. Longtemps la traduction de vos œuvres en français était digne de leurs premières parutions dans Weird Tales : caviardées, approximées, mutilées, trahies. Un vrai carnage. Pourtant, ces premières traductions honteuses, je ne parviens pas à m’en défaire. Prenez ainsi l’exemple de ce texte que je vais lire ce soir, cette courte nouvelle que vous avez écrit pour partie encore dans les brumes du sommeil. 
J’aurais pu la retraduire par moi-même, ou encore demander le secours de François Bon, qui excelle dans son travail à remettre en lumière votre œuvre. Mais je ne l’ai pas fait. J’ai conservé cette vieille version bancale, souvent obscure qui, à la relecture, m’a semblé inscrite au plus profond de moi. Un peu comme une légende.
Et il en va aussi de même de votre vie. Car si l’on a aujourd’hui balayé cette légende-là, construite en partie par vos soins mais aussi vos continuateurs, si l’on sait que vous n’étiez pas celui que l’on a longtemps imaginé, l’écrivain plus dérangé encore que ses récits, ne vivant que la nuit, ne fréquentant personne, puisant la totalité de ses histoires dans des rêves hallucinés ou se nourrissant uniquement de crème glacée, si l’on sait que vous étiez bien plus, que vous étiez un personnage d’une effrayante complexité, votre vie demeure encore plus une énigme. Malgré vos dieux, vos mythes, vos rêves et vos histoires, votre premier mystère, c’est vous-même. Et c’est bien, des années après la dernière question qui demeure pour moi.
Des années après, je me demande encore : « Qui êtes-vous, Monsieur Lovecraft ? »
Votre éternel débiteur,
Romuald Giulivo
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par UnMondeAutrement957
L’exposition collective Le Grand Atelier de Clohars-Carnoet s’installe à la chapelle St Jacques du 16 septembre au 14 octobre 2023. Créée à l’initiative de cinq artistes-auteurs résidents de la commune – Rozenn Brécard, Catmalou, Cromwell, Lauranne Quentric et Guillaume Sorel – elle donne à voir un pan de leur univers de création singulier en illustration et en bande-dessinée.
L’exposition Le Grand Atelier de Clohars-Carnoet est une première expérience commune de cinq auteurs du livre qui ont choisi de présenter une partie de leur travail au sein de leur ville de résidence, une façon pour eux de défendre leur travail et plus largement la création contemporaine. Pour l’occasion, la municipalité leur a prêté la chapelle St Jacques, un lieu dédié à des évènements culturels.
Rozenn Brécard, illustratrice jeunesse récemment récompensée par le prix révélation de l’ADAGP avec son album Le Détour paru aux éditions La Partie, expose des dessins originaux en noir et blanc à la gouache, une série jouant sur les ombres et les lumières qui met à l’honneur les paysages du bord de mer et notamment le port de Doelan.
Lauranne Quentric, autrice de nombreux albums jeunesse, révèle un univers doux et ludique s’inspirant de son lieu de vie. Elle crée ses tableaux en utilisant différentes techniques dont celle des collages de papier de soie, un travail minutieux et d’une grande finesse qui met sa patience à rude épreuve. Elle invite à la recherche du détail et au jeu par la recherche des correspondances entre les images.
Cromwell s’illustre dans le monde de la bande dessinée depuis 1985 avec son graphisme nerveux et virtuose mêlant des techniques diverses selon ses envies et les récits qu’il veut servir. Il expose notamment des toiles qui feront l’objet de son prochain roman graphique Bâtard, pour lesquelles il s’inspire du groupe des Seven, des peintres de Toronto affranchis de tout académisme.
Guillaume Sorel, auteur-dessinateur de bande dessinée et illustrateur, met sa technique au profit de projets artistiques depuis la fin des années 80. Son style révèle une grande admiration pour le fantastique et l’imaginaire sous toutes ses formes, un travail d’ombres et de lumières, de couleurs en pénombre dont il se sert également pour interpréter les paysages bretons.
Catmalou navigue entre la bande dessinée, le roman, le récit, l’album jeunesse, la lecture à voix haute. Elle est le point commun des quatre précédents artistes en écrivant pour chacun d’eux. Elle se révèle dans une écriture éclectique, entre humour et récit intimiste, textes poétiques et récit d’aventure, une façon pour elle d’être au plus près de ses envies.
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Les œuvres exposées sont pour la grande majorité dédiées à la vente. En parallèle, Rozenn Brécard, Lauranne Quentric et Catmalou proposent des ateliers de création artistique tout public pour s’initier à l’illustration, au collage ou à l’écriture. Ces derniers ont été possibles grâce au soutien financier de la ville de Clohars-Carnoet, au partenariat avec la médiathèque Robert Badinter, ainsi qu’au soutien de la Caisse Locale du Crédit Agricole de Quimperlé. La coordination du projet quant à elle, est portée par le collectif d’artistes-auteurs Un Autre Monde, Chaudron éditions et Week-end on Mars éditions, trois structures associatives locales et nationales, œuvrant pour la création et l’accès au livre. L’accueil enthousiaste des visiteurs conforte aujourd’hui leur initiative, et leur permet d’envisager, pourquoi pas, une nouvelle édition du Grand Atelier. Qui sait ?
Bibliographie sélective
Rozenn Brécard
Le vieil homme et les mouettes, texte Rémi Courgeon, Seuil Jeunesse, 2023
Le Détour, éditions La Partie, 2022
La belle Jeannette, texte Rémi Courgeon, Seuil jeunesse, 2021
Catmalou
Mimosa, les choses changent, c’est énervant, dessin Édith, éditions Soleil-Delcourt, 2019
Ferdinand, In8, 2011
Le Dernier des Mohicans, dessin Cromwell, Soleil, 2010
Cromwell
Artbooks : End Zone, éditions Caurette, 2020 – Quelque part, éditions Akiléos, 2011
Anita Bomba, Le journal d’une emmerdeuse, éditions Caurette/Akiléos, 2017
Le Dernier des Mohicans, scénario Catmalou, Soleil, 2010
Lauranne Quentric
Elle fait le printemps, texte Praline Gay-Para, éditions Didier Jeunesse, 2023
Et pluie voilà, texte Christophe Pernaudet, éditions du Rouergue, 2019
L’amoureux de papa, texte Ingrid Chabbert, éditions Kilowatt, 2017
Guillaume Sorel
Macbeth, récit complet en 2 tomes, Glénat, 2021
Bluebells Wood, Glénat, 2018
Hôtel Particulier, Casterman, 2013
par UnMondeAutrement957
Benoît Berthou, maître de conférences à l’université Paris 13 et chercheur au LabSIC (Laboratoire des Sciences de l’Information et de la Communication) s’intéresse depuis plusieurs années à la place et au devenir du dessin au sein des industries culturelles. À travers ses recherches, mais aussi la direction de la revue Comicalités, Études de culture que ses nombreuses publications, il pose un regard documenté sur l’essor de la bande dessinée dans le traitement du champ politique.
Comment, en tant que chercheur, en vient-on à se pencher sur le cas de la bande dessinée ?
Benoît Berthou : Par passion et un vif intérêt pour la chose dessinée, en plus je suppose d’un parcours atypique en lien avec le livre. J’ai fait au départ des études de philosophie, avant de devenir éditeur pendant 15 ans, un peu en bande dessinée, mais surtout en livres scolaires. Puis après avoir soutenu ma thèse, je suis devenu maître de conférences à l’université où j’ai créé des formations aux métiers du livre et de l’édition. C’est à ce moment que j’ai entamé plusieurs travaux sur la culture graphique en général, et plus particulièrement sur la bande dessinée. J’ai notamment voulu commencer par faire le tour de ce qu’on pourrait appeler le système de la bande dessinée, pour reprendre le titre du grand livre de Groensteen. C’est-à-dire autant une étude sur le lectorat pour la Bibliothèque Publique d’Information du Centre Pompidou, afin de cerner d’où vient cet appétit assez récent pour le dessin, qu’un livre sur l’édition de BD, car il m’intéressait aussi de savoir comment on la publie, on la traduit. Et puis j’ai mené une série d’études sur les genres : la politique, le documentaire…
Mais mon sujet de travail est la culture graphique et je n’envisage la bande dessinée que comme une occurrence de cette culture. On s’aperçoit ainsi aujourd’hui que les lecteurs sont dans un continuum d’intérêt. Pour le dire plus clairement, les gens qui lisent des BD jouent également aux jeux vidéo, regardent des animés et entretiennent un rapport à l’image qui passe avant tout par le dessin. Même le cinéma grand public s’en approche désormais. Les films de super héros qui envahissent nos écrans ont un côté très Méliès, tout le monde sait que c’est avant tout du fond vert et de la palette graphique. Bref du cinéma dessiné. Et c’est ce rapport à l’image qui m’intéresse avant tout. Que dit-il de notre société, que signifie l’abandon en quelque sorte des images qui s’affirment dans un réel prégnant ?
Cette évolution se fait-elle seulement dans l’image de divertissement ?
Benoît Berthou : Non, loin de là. Prenez notamment la politique. C’est quoi une image politique ? Dans nos médias, c’est traditionnellement la photographie, l’image de presse qui vient en appui d’un texte, un article. Mais dans son approche classique, ce que Roland Barthes appelait le punctum – cette image qui fait preuve d’un réel et se suffit à elle-même pour en attester –, ce photojournalisme est en train aujourd’hui de céder la place à autre chose. On voit bien que ce territoire est aujourd’hui en train de devenir un territoire graphique, notamment grâce à la bande dessinée qui renouvelle le langage visuel de la politique.
« Que ce soit aux USA ou en Europe, la bande dessinée populaire s’est quelque part construite dans le déni. On a pour beaucoup bâti une bande dessinée très feuilletonnante, qui évacuait la question du politique. »
Comment justement la bande dessinée s’empare-t-elle du champ politique ?
Benoît Berthou : Il y a déjà une tradition. Il suffit de relire Tintin. Que ce soit le ton très anticommuniste de Tintin au pays des Soviets, ou Le Lotus bleu avec l’invasion de la Mandchourie par le Japon, ou encore Au pays de l’or noir qui raconte entre autres la tentative de plusieurs pays occidentaux pour mettre la main sur le pétrole de l’Arabie Saoudite. Ensuite, dans une histoire plus récente de la bande dessinée, le fait politique est venu pour beaucoup par l’autobiographie. L’exemple absolu est évidemment Persepolis de Marjane Satrapi. Le récit de cette jeune fille iranienne qui déambule à travers l’Europe a conféré de façon très forte une valeur politique au témoignage. On peut penser également à Gen d’Hiroshima de Keiji Nakazawa, qui raconte sur dix tomes sa vie de survivant au premier bombardement atomique, une chronique poignante qui est aujourd’hui utilisée comme support pédagogique dans les écoles japonaises. Il y a enfin évidemment, dans les livres fondateurs de cette démarche, Maus, qui traite de la Shoah en transcrivant dans un monde animalier le récit du père de l’auteur, Art Spielgelman. Et pour tous ces exemples, cette particularité du récit de vie, de l’intime qui fait soudain sens politique, est en vérité très proche d’une démarche littéraire au sens strict. On n’est pas si loin par exemple de l’Événement de Annie Ernaux, récit de son avortement clandestin dans les années soixante, ou encore de Si c’est un homme de Primo Levi.
Dans les comics, qui s’installent de plus en plus en Europe notamment grâce au renfort du cinéma, trouve-t-on ce même surgissement du politique ?
Benoît Berthou : Pas vraiment. Que ce soit aux USA ou en Europe, la bande dessinée populaire s’est quelque part construite dans le déni. On a pour beaucoup bâti une bande dessinée très feuilletonnante, qui évacuait la question du politique. On peut après évidemment avoir des lectures. On peut voir par exemple chez les X-men, dans cette vie en groupe avec que des hommes, comme une réflexion en filigrane sur l’homosexualité. Mais cela me semble anecdotique. Tout comme Captain America qui devient noir ou Thor qui change de sexe. Je suis moins convaincu par la portée politique.
Par contre, avec le mouvement que l’on qualifie de meta comics, c’est-à-dire le comics qui met en scène le comic, la situation est tout autre. Je pense notamment au travail de Camille Baurin, qui a réalisé une thèse de littérature comparée sur le comic book et le montre très bien. Le geste inaugural en la matière est Watchmen, avec ces héros à la retraite, qui est une vraie critique de la société américaine et ses tentations fascisantes. Que ce soit le travail de Alan Moore, avec V pour Vendetta, de Warren Ellis avec Transmetropolitan, ou de Franck Miller, à travers son Batman dark night, surgit alors une question que peut-être seule la bande dessinée pouvait traiter, à savoir : est-ce que la politique aujourd’hui est avant tout une question d’héroïsme ? Je pense ainsi au Superman Red Son, scénarisé par Mark Millar. Cette histoire part d’un postulat très simple : que serait-il advenu si la capsule de Superman bébé avait atterri en URSS plutôt qu’aux USA ? On y voit alors Superman succéder à Staline et devenir chef du parti communiste. Il se retrouve alors face à un paradoxe, car il est par essence la réfutation de la doctrine marxiste, il est la preuve que tous les hommes ne naissent pas égaux. C’est un bel exemple, me semble-t-il, de cette interrogation entre politique et héroïsme.
Pour revenir à nos contrées, qu’est-ce que la bande dessinée peut apporter de plus que le dessin de presse qui, de tradition et de par l’actualité récente, a toujours une place primordiale dans le traitement de la politique ?
Benoît Berthou : La narration, indubitablement. Le dessin de presse, quelles que soient sa valeur et sa qualité, est une image
statique, au même titre que la photo de presse. Je me suis notamment beaucoup intéressé à Joe Sacco, un journaliste et dessinateur américain dont toute la rhétorique est quelque part une critique, ou tout du moins une réponse par la bande dessinée au photojournalisme. Par exemple, dans son album Gaza 1956, il réalise des images pleine page qui s’apparentent dans leur objectif à du photojournalisme, c’est-à-dire rendre tout un monde dans une image, sauf que Joe Sacco découpe cette image en vingt ou trente cases, il multiplie les points de vue, les dialogues, il brouille son image en introduisant du récit justement. Il met en évidence quelque part ce que Étienne Davodeau exprime dans la préface de son album Rural !, où il écrit : « Raconter, c’est cadrer. Cadrer, c’est éluder. Éluder, c’est mentir. »
Peut-être est-ce là d’ailleurs la clé de succès du traitement politique par la bande dessinée auprès d’une jeune génération. Aujourd’hui où les jeunes savent l’image politique déformée, manipulée, peut-être la préfère-t-elle dessinée, car c’est une forme qui assume clairement sa subjectivité.
Propos recueillis par R.G.
ARTICLE PRÉCÉDEMMENT PARU DANS LA REVUE NUMÉRIQUE D’ALCA NOUVELLE AQUITAINE
par UnMondeAutrement957
Bien trop petit, Manu Causse, 2022
« C’est l’histoire d’un concours de quéquette. Du point de vue de celui qui perd. » Ainsi commence l’histoire de Grégoire lorsque, dans le vestiaire de la piscine, Antoine lui fait remarquer la taille ridicule de son sexe. Mais en plus d’avoir la plus petite bite du monde, Grégoire se coltine des parents psy et souffre d’épididymite, une inflammation douloureuse des testicules qui arrivent sans prévenir. Il semble que tout le destine à finir seul et puceau. Il lui reste l’écriture et ses fans-fictions dans lesquelles il met en scène ses personnages Max Egrogire et Chloé Rembrandt dont les aventures semblent particulièrement intéresser l’un de ses followers. Se tisse alors entre eux une correspondance qui pousse Grégoire sur des chemins où l’imagination va atteindre le désir et le plaisir. S’il pensait alors avoir un problème de taille, il découvre qu’il possède d’autres qualités bien plus puissantes.
Bien trop petit est un roman délicieusement joyeux dans lequel l’humour et le désir s’entrelacent autour des interrogations d’un adolescent tourmenté par des problèmes qui lui semblent insurmontables.
Citron, Mélody Gornet, 2021
« Si tu étais une glace, qu’est-ce que tu serais ? » C’est par cette question que Lana teste ces interlocuteurs sur l’appli de rencontres. Lana traîne son ennui au lycée et jusque dans sa chambre. Les gens de son âge ne l’intéressent pas vraiment, à se satisfaire de relations sans intérêt, prévisibles. Dans la file qui la mène au self, Lana scrolle sur l’application de rencontre, envoie sa sempiternelle question, et quitte la conversation quand la réponse est trop « vanille ». Elle aurait continué ainsi à traîner son ennui si Jonathan n’avait pas lu par-dessus son épaule, s’il ne l’avait pas suivie au self, s’il n’avait pas insisté pour la connaître, lui un gars de sa classe qu’elle avait cru sans intérêt. Mais Jonathan a ce quelque chose de plus qui attire et intrigue Lana : il ne s’interdit rien dans ce qu’il a envie de vivre. Lana va entrer peu à peu dans son monde, et découvrir le goût du Magnum triple chocolat, coulis de framboise.
Mélody Gornet conduit ce roman avec une écriture sans fioritures, fluide et précise. Citron soulève les masques et ouvre le champ des possibles sur la relation amoureuse.
Le Point sublime, Manu Causse, 2020
Mina prend la route en direction des Granges, transportant avec elle les cendres de sa grand-mère, Lune, pour les répandre au Point sublime. Dans la voiture qui la conduit vers la maison de son enfance, Mina refait le film de sa vie. De la découverte des plaisirs liés au corps à l’âge de neuf ans, en passant par ses premières expériences de la sexualité à quinze ans, aux côtés de sa meilleure amie, jusqu’à ses dix-sept ans, où elle rencontre Melchior et Kas qui feront de son été un été inoubliable, Mina explore ses souvenirs et les sentiers de son désir.
Le Point sublime est un roman qui nous invite à entamer une ascension vers un sommet qui offre une vue sur un paysage d’une beauté à couper le souffle. Mina raconte ses éprouvés, ses hontes, ses incompréhensions puis son éclosion cet été-là au Granges, le dernier avant la maladie de Lune, le plus beau, l’année de ses dix-sept ans. Avec Melchior et Kas. Mina découvre la sensation d’une liberté intense, la possibilité du choix, l’attente, le partage du plaisir. Marcher à contre-courant dans le lit de la rivière. S’étendre sur les berges pour se réchauffer au soleil. Arpenter les sentiers en pente douce, s’écorcher, persévérer, regarder vers le ciel, se frotter aux falaises et en ressentir le vertige. Enfin, atteindre le Point sublime et se laisser caresser par les nuages qui s’y sont accrochés. C’est là que Mina éprouvera au plus profond de son corps son désir le plus intense, celui de devenir une femme libre.
Manu Causse transmet avec douceur et intensité les éprouvés de Mina dans la découverte d’elle-même. Il livre un roman de toute beauté, majestueux, juste, et sensible.
Par L.B
par UnMondeAutrement957
Quand la fiction explore la sexualité
La collection L’Ardeur a été créée en 2019 par Charline Vanderpoorte, éditrice aux éditions Thierry Magnier. Elle a été pensée à destination des grands ados pour aborder les questions sur les corps et la sexualité par la fiction. L’Ardeur est le fruit d’une réflexion et d’un travail conjoint entre des auteurs et leur éditrice pour ouvrir le champ des possibles.
La collection L’Ardeur est née de constats et d’une réflexion qui a longtemps mûri dans l’esprit de Charline Vanderpoorte. L’éditrice s’intéresse à plusieurs documentaires audios sur la sexualité du point de vue féministe où il apparaît sans équivoque que le porno gratuit et la romance dont les adolescents sont consommateurs véhiculent une certaine idée de la sexualité basée sur la performance. Les questions s’égrènent alors en chapelet. Qu’est-ce que cela entretient dans leur rapport au corps et à leur sexualité ? Pourquoi le corps adolescent est-il si absent des romans ? Pourquoi les personnages n’ont-ils jamais leurs règles ? Pourquoi la prévention n’est-elle que rarement du côté du désir alors que le corps adolescent subit à l’échelle intime une véritable révolution ? Que faire pour changer cela, et leur montrer autre chose ? Le déclic vient à la lecture de Sanglant Hiver, un roman islandais de Hildur Knútsdóttir paru aux éditions Thierry Magnier en 2017, dans lequel apparaît une scène de sexe naturelle et spontanée entre deux adolescents. Charline Vanderpoorte propose alors à Thierry Magnier la création d’une collection entièrement dédiée à ces questions et obtient son aval.
L’éditrice adresse une lettre à une quinzaine d’auteurs dont elle aime le travail, lettre dans laquelle elle explique le fil de sa réflexion, son constat et l’urgence d’offrir aux lecteurs adolescents d’autres perspectives que le porno gratuit pour épanouir leur sexualité. Parmi eux, il y a Camille Emmanuelle qui vient de sortir aux éditions Les Échappés Lettre à celle qui lit mes romances érotiques, et qui devrait arrêter tout de suite. L’auteure qui a écrit une douzaine de romances érotiques sous pseudo, y explique comment ces textes doivent répondre à une charte très cadrée, où personnages et scènes sont stéréotypés, où l’humour est exclu considérant que celui-ci ne fait pas bon ménage avec amour et sexe. En réaction à la lecture de ce livre, Charline Vanderpoorte acte que L’Ardeur n’imposera aucune charte aux auteurs, la littérature se devant être un espace de liberté de création. En réponse à ses courriers, certains auteurs se manifestent pour se lancer dans l’aventure dont Camille Emmanuelle qui accepte ce pari compliqué de passer de la littérature générale à la littérature jeunesse. L’enjeu est de trouver le ton juste tout en faisant confiance aux lecteurs. Son manuscrit ouvrira la collection. Ainsi paraît en 2019, Le Goût du baiser.
Après trois ans d’existence, la collection L’Ardeur se précise et s’affirme dans ses propositions : tout est possible si cela fait évoluer les représentations de la sexualité. Les sujets sont ouverts. Charline Vanderpoorte cherche des textes qui mettent en scène aussi bien des personnages hétérosexuels cisgenres féminins ou masculins, tout autant que des narrateurs dont le genre ne se dévoile pas au cours du récit, car ce qui compte, ce sont les pistes d’exploration proposées et le côté surprenant des personnages. L’humour, trop absent des textes érotiques, intéresse plus que jamais l’éditrice : « L’humour dans le sexe, c’est ce qu’il y a de plus génial ! »
Les auteurs connaissent désormais la collection et s’emparent des sujets avec leurs propres questionnements. L’éditrice suit le mouvement, évolue et mûrit encore sa réflexion sur le genre grâce à eux. Elle attend des textes qu’ils la surprennent en empruntant des chemins inexplorés.
La collection L’Ardeur trouve peu à peu sa place, cumule les prix littéraires (Trophée de l’édition, Pépite de Montreuil) et des retours de presse dithyrambiques, mais il y a encore du chemin à parcourir, et un travail de pédagogie à mener auprès des médiateurs et des prescripteurs. En effet, Charline Vanderpoorte n’a pu la présenter lors des tables rondes et rencontres qui étaient prévues au moment du lancement de la collection, celles-ci ayant été annulées à cause de la crise sanitaire. La vie de la collection s’appuie donc essentiellement sur les librairies engagées sur le féminisme, les communautés de lecteurs et les représentants chargés de porter les nouveautés auprès des libraires. « Défendre des romans pour adolescents sur la sexualité est une vraie difficulté. » Charline Vanderpoorte cherche comment toucher les principaux intéressés : « Nous assumons cette collection comme faisant partie de la littérature jeunesse, mais ce n’est pas simple d’atteindre les adolescents quand il s’agit de littérature de l’intime et quand en librairie, le rayon jeunesse est le plus souvent coupé du rayon adulte. Nous nous appuyons beaucoup sur les professeurs documentalistes et les bibliothécaires qui défendent ces titres avec conviction, et ce sont lors des salons du livre que nous rencontrons les lecteurs. Au niveau sociétal, les choses bougent sur la sexualité, et les nouveaux titres à paraître fin 2023, début 2024 vont ouvrir le lectorat. Je suis attentive aux gens que je rencontre pour trouver un nouveau chemin, pour convaincre, pour ouvrir les possibles quand il est question des sensations liées au corps. »
Avec un rythme de parution de deux titres par an et un tirage de trois-mille exemplaires par ouvrages, L’Ardeur pose son rythme de croisière, et dévoile à chaque parution un angle différent, une approche singulière de la sexualité, sans tabou, dans le respect du corps et de l’écoute du désir. L’Ardeur a déjà démontré la qualité de ses propositions littéraires, et promet de belles découvertes pour les années à venir.
Par L.B.
Sur le site de l’éditeur :
https://www.editions-thierry-magnier.com/collection-l-ardeur-1237.htm
@l_ardeur_
Collection L’Ardeur – Présentation par la maison d’édition
LIRE, OSER, FANTASMER, trois mots qui résument l’ambition de la collection L’Ardeur. Depuis ses débuts, notre maison est fière de défendre une littérature courageuse qui s’intéresse à l’adolescence telle qu’elle est, avec ses zones d’ombres, ses excès, ses émotions exacerbées. Mais l’adolescence est aussi une période où le corps se métamorphose, où la vie sexuelle commence. Quoi de plus logique, alors, que d’ouvrir notre catalogue à des textes qui parlent de sexualité, de désir, de fantasme. L’Ardeur se pose résolument du côté du plaisir et de l’exploration libre et multiple que nous offrent nos corps.
par UnMondeAutrement957
© Winshluss
Quel lien y a-t-il entre les bandes dessinées de Winshluss et les films de Vincent Paronnaud ? L’auteur, quel que soit son nom, revendique la complexité du monde et celle de l’humain. Créer est son mode d’expression. Par la bande dessinée ou le cinéma, il éclaire, mord, rit et pointe du doigt les violences de la société moderne.
L’histoire avant le dessin
La bande dessinée est le premier mode d’expression vers lequel se penche Winshluss. Enfant et adolescent, il passe son temps à dessiner. Sa scolarité est déplorable, il n’obtient pas son bac et cela lui ferme les portes des écoles d’art. Définitivement déscolarisé, il se met à la musique. Bruitiste plus que musicien, il apprend finalement la guitare et explore les genres musicaux. Son groupe Shunatao signera sept albums chez Amanita Label (Anglet). C’est à cette époque qu’il côtoie Olivier Bernet qui par la suite composera les musiques de ses films. Il reprend le dessin vers vingt-cinq ans. En bande dessinée, il est attiré par l’esthétique et les virtuoses comme Moebius et Corben. Puis il découvre Maüs de Art Spiegleman. Il est fasciné : il trouve tout d’abord le dessin maladroit puis comprend qu’il est là pour servir l’histoire et l’apprécie pour cela. Il remet alors en question sa vision de la bande dessinée. L’histoire passe désormais avant le dessin.
Là où tout commence…
Bien qu’il publie déjà au Dernier Cri ou à L’Association, c’est avec Les Requins Marteaux que tout démarre. En 2002, il prend la direction éditoriale de la maison d’édition avec Cizo et Felder. Portés par une proximité intellectuelle, des références communes et un humour qu’ils partagent, ils s’emparent de cet espace de liberté. Le soutien de Marc Pichelin leur permet d’essayer des choses, de publier le magazine Ferraille, de révéler des auteurs, d’en publier de plus connus. Winshluss passe l’essentiel de son temps à coordonner et organiser ce joyeux chaos. « De l’extérieur, cela paraissait désinvolte alors que cela ne l’était pas du tout. Quand tu viens du fanzinat, cela te rend philosophe. Il faut durer, ne rien lâcher. Beaucoup se fatiguent. Mais c’est évident qu’il y a vingt-ans, les éditeurs indépendants ont ouvert des brèches : permettre par exemple aux auteurs de publier une bande dessinée dont le nombre de pages était adapté à leur projet, c’était une révolution. »
Le cercle d’auteurs réunit autour des Requins Marteaux se pose en trublion et le magazine Ferraille devient un miroir de son temps en montrant ce que l’ultralibéralisme impose au monde. « La force du capitalisme, c’est qu’il se relève toujours. On nous fait croire qu’il n’y a pas d’autres systèmes possibles, que l’on ne peut pas faire autrement. Ce système crée de la misère et de la violence et c’est effarant. Aujourd’hui encore, c’est la politique de la terre brûlée. »
De l’image fixe à l’image animée
Winshluss réalise son premier court-métrage avec Cizo en 2003. Raging Blues est produit par Je suis bien content (qu’il embarque avec lui quelques années plus tard sur Persépolis). Abordant sans détour la violence de la société de consommation, le film est primé à deux reprises. Winshluss est lancé et enchaîne les courts-métrages d’animation et en prise de vue réelle. En 2007, il réalise son premier long métrage d’animation, Persépolis, avec Marjane Starapi, auteure de la bande dessinée éponyme.
« Je viens d’un milieu modeste, je pensais que pour moi, c’était foutu. J’avais besoin de m’exprimer et c’est devenu possible. »
En parallèle, il prépare Pinocchio, un livre ambitieux traitant de la mondialisation, faisant référence au film de Walt Disney, le premier film qu’il a vu enfant au cinéma avec sa mère et qui l’a traumatisé. Winshluss ne dit pas ce qu’il faut penser ou croire, il ouvre le regard et la pensée. Il replace les choses dans une histoire et un contexte. « L’individu est en conflit avec lui-même et avec le monde. Mais pour parler bien de son village, il faut parler de soi, savoir qui l’on est et d’où l’on vient. L’humain est complexe, le monde aussi, pourtant, il n’y a plus de réflexion, seulement des réactions, ce qui est mortifère et angoissant. L’humain fait des conneries et oublie. Il n’y a plus de regard historique. Alors, c’est comme si rien ne servait à rien ».
Persépolis est récompensé par le prix du Jury du festival de Cannes et par le César du meilleur premier film et de la meilleure adaptation en 2008. Pinocchio sort la même année et reçoit en 2009, le Fauve d’or du meilleur album du Festival international de la bande dessinée d’Angoulême. Cette reconnaissance, Winshluss en est heureux, il préfère que « cela marche » parce que cela lui permet de faire autre chose. Mais il n’exploite pas le filon et refuse de s’enfermer dans un registre. Il ne veut pas faire semblant. Il a l’exigence de faire bien, tant qu’il y a un minimum d’intensité.
La création, un instinct de survie
Winshluss a conscience que la création est un instinct de survie. « Je viens d’un milieu modeste, je pensais que pour moi, c’était foutu. J’avais besoin de m’exprimer et c’est devenu possible. » Écrire un scénario de bande dessinée ou de film, cela ne fait aucune différence, mais il sait dès le départ s’il écrit pour une bande dessinée ou un film et que pour bien faire, il doit comprendre les rouages de chaque support. Autodidacte, il n’est pas théorique, il aime se confronter à l’aspect pratique et physique de la création. Face à une ou plusieurs problématiques qu’il s’inflige, il s’attache à trouver des solutions qui lui permettront d’arriver à ses fins. Il apprend dans l’urgence, en regardant les autres. Il comprend que les apprentissages techniques sont nécessaires, qu’arriver avec une idée n’est pas suffisant pour mener à bien un projet. 
« Il faut que je connaisse précisément comment les choses se passent pour y arriver parce que mes projets sont sur la corde. Alors, je m’entoure des meilleurs. Les meilleurs, ce sont ceux qui sont bons dans quelque chose en particulier, mais qui s’intéressent à d’autres choses, qui ont une culture étendue. »
Le processus de création est laborieux, il prend du temps. Winshluss réfléchit, digresse et jette beaucoup. « Je déteste l’efficacité, produire pour produire ne m’intéresse pas. Il y a des phases ou je peux produire beaucoup et souvent s’enchaînent des phases où je ne produis plus. Et parmi ce que je fais, il y a des choses inutiles, mais j’ai besoin de les faire. J’aime ce sentiment lorsqu’un livre, un film, m’apporte un éclairage. C’est pour ça que j’aime les auteurs, pour le prisme à travers lequel ils nous montrent les choses, pour l’importance du détail. » Le style l’ennuie, alors il explore ailleurs et décale son regard en permanence. « Être auteur, c’est se mettre en porte à faux en permanence, ne pas s’endormir et pour cela, changer de registre, de graphisme, pour éclairer différemment à chaque fois. »
Une vision du monde
Winshluss porte sa vision du monde et exprime sa colère à travers ses livres et ses films. Il parle de choses ambiguës et complexes en utilisant l’humour, des codes et des clichés propres aux genres qu’il affectionne. Il ponctue ses histoires d’obsessions ou de névroses nées de traumatismes qui renvoient à des évènements marquants de son parcours d’humain : les accidents de voiture, la pendaison, le suicide… Des références à la religion se retrouvent également dans ses œuvres. Issu d’une famille d’athées, il s’y est intéressé pour comprendre la manière de penser du monde occidental.
« Être auteur, c’est se mettre en porte à faux en permanence, ne pas s’endormir et pour cela, changer de registre, de graphisme, pour éclairer différemment à chaque fois. »
Dans Cosmogonie, le thriller sur lequel il travaille actuellement, la nature et la civilisation s’affrontent, chacune représentée par un personnage : un homme maniaque qui dit aux gens ce qu’ils veulent entendre et une femme qui s’oppose à lui et se révolte. L’un est le bourreau, l’autre la victime, mais Winshluss sème la confusion en inversant les rôles, montrant ainsi que les choses ne sont jamais si simples.
Dans ses histoires, il n’aborde jamais la violence de manière frontale. Il prend un contre-pied et l’assaisonne d’humour. Que ce soit en bande dessinée ou en cinéma, si le pourquoi vient comme le point de départ d’une histoire, c’est avant tout le cheminement qui importe, et rien d’autre.
Bibliographie sélective
Smart Monkey, Cornélius, 2004
Pinocchio, Les Requins Marteaux, 2008
Dans une forêt sombre et solitaire, Gallimard Jeunesse, 2016 — Pépite d’or du Salon du livre et de la presse jeunesse de Montreuil
Filmographie sélective
Raging Blues, co-réalisation Cizo, Je suis bien content, 2003
Persépolis, co-réalisation Marjane Satrapi, d’après la bande dessinée éponyme, Diaphana Distribution, France 3 Cinéma, The Kennedy/Marshall Company, French Connection Animations, 2.4.7 Films, 2007
Territoires, Kidam, 2014
RETROUVEZ L’ARTICLE DANS LE N°13 de ÉCLAIRAGES, LA REVUE PAPIER D’ALCA NOUVELLE AQUITAINE
par UnMondeAutrement957
Pour ses dix années d’existence, Un Autre Monde lance un podcast dans la suite logique des initiatives numériques menées par l’association. Au programme : plusieurs créations originales, des enregistrements de spectacles, des lectures par des auteurs du collectif et encore plein d’autres initiatives à découvrir tout au long de l’année.
Pour ouvrir le bal, Lucie Braud, autrice et scénariste de bande dessinée, explore dans un récit intimiste les souvenirs d’une histoire d’amour perdue d’avance sous le soleil implacable de la Grèce et des premiers âges adultes. Après Ferdinand, paru il y a quelques années aux éditions in8, elle montre de nouveau avec Néfos un regard plein d’émotion et de justesse.
Néfos, un podcast en 5 épisodes à découvrir dès maintenant !
« Néfos signifie nuage en grec. Ce mot désigne plus particulièrement le nuage de pollution qui asphyxie Athènes à certaines périodes de l’année, notamment lorsque le vent ne souffle plus et que la chaleur s’abat sur la ville.
L’histoire de Michelle et Eni est inspirée de faits réels. Je voulais raconter la rencontre entre une étudiante en proie à des doutes et des interrogations, qui cherche sa voie sans savoir quelle direction prendre alors que son chemin semble déjà tracé par d’autres, et Eni, un jeune albanais sans papiers arrivé en Grèce dans des circonstances troubles, qui vit au jour le jour et prend de la vie ce qu’elle lui donne. Deux jeunesses éprises de liberté et de rêves qui se rencontrent et dénouent ensemble le pourquoi de leur fuite, malgré leurs différences. »
(Lucie Braud)
